Luiz Roque (Cachoeira do Sul, Brasil, 1979) trabaja sobre el poder de la imagen y las sensaciones que se derivan del sentido de la visión, atravesando en su obra diferentes territorios, como el género de la ciencia ficción, el legado del modernismo, la cultura pop y la biopolítica queer. Ha expuesto individualmente en CAPC, Burdeos (2023); PROA21, Buenos Aires (2022); VAC, Austin (2021); Pivô, São Paulo (2020); CAC Passerelle, Brest (2020); New Museum, Nueva York (2019); MAC Niterói, Río de Janeiro (2018); Tramway, Glasgow (2017), entre otros. Su obra ha sido incluida en exposiciones colectivas en lugares como la 12ª Bienal de Arte Contemporáneo de Gotemburgo, (2023); El Museo de Arte Moderno de Varsovia (2023); 59ª Bienal Internacional de Venecia, Venecia (2022); MASP, São Paulo (2017), MoMA PS1, Nueva York (2016) y la 32ª Bienal de São Paulo (2016), entre muchas otras. Vive y trabaja en São Paulo, Brasil.

Dulce Gómez (Caracas, Venezuela, 1967) cursó estudios de arte en la Escuela de Artes Visuales Cristóbal Rojas (1983-1986). Obtuvo la licenciatura en Artes plásticas en la Universidad Experimental de las Artes (2010) y la Maestría en Artes plásticas en la Universidad Central de Venezuela (2019). Desde los inicios de su carrera se interesó por trabajar con tres medios: la pintura, el ensamblaje y la instalación. En el año 2009 se trasladó a Nueva York gracias a un programa de residencias para artistas que viven fuera de los Estados Unidos ofrecido por The Bronx Museum, Nueva York. Tuvo la oportunidad de asistir al conocido seminario Artist in the Marketplace Program (AIM). En 2022 inauguró Bookinist, una librería con sede física en un café de Las Mercedes (Caracas), donde ofrece un espacio de encuentro para charlas en torno al arte, la literatura y la filosofía. Vive y trabaja en Caracas.

Andrés Pereira Paz (La Paz, Bolivia, 1986) realizó estudios en la ‘’Academia Nacional de Bellas Artes Hernando Siles’’ en La Paz, Bolivia y asistió a los talleres de Diana Aisenberg y Roberto Valcárcel. Ha exhibido en diferentes espacios, entre los que se encuentran 80m2 Livia Benavides Galería, Lima (2023); galería Guadalajara90210, CDMX (2023); Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (2023); MAAT Gallery, Paris (2023); Denver Art Museum (2022); Future Generation Art Prize, Pinchuk Arts Center, Kiev (2021); Art Basel Statements, Basel (2021); 11va Bienal de Berlín (2020); Kiosko Galería, Santa Cruz de la Sierra; Gasworks Open Studios, Londres (2017). Su trabajo se encuentra en las colecciones del Museo de Arte de Denver, MCA Chicago, KADIST San Francisco, entre otras. Vive y trabaja en Ciudad de México.

Venuca Evanán (Lima, Perú, 1987) es artista visual, activista y educadora. Su trabajo se arraiga en la herencia artística de la comunidad Sarhua del sur del Perú, a la cual pertenece. Utiliza los elementos tradicionales como tierra, tintes naturales y plumas y aborda temas como el erotismo y el género, feminismo y la violencia machista y las luchas de las poblaciones migrantes, que la afectan personalmente y que son constantes en su comunidad marginalizada. La obra de Venuca es una constante tensión entre lo tradicional y la transgresión, con el objetivo de poner sobre la mesa asuntos urgentes y al mismo tiempo, generar interés por las tradiciones entre las generaciones más jóvenes de su comunidad. Vive y trabaja en Lima, Perú.

Jackie Amézquita (Quetzaltenango, Guatemala, 1985) desarrolla una práctica multidisciplinaria a partir de una historia familiar de diáspora, experiencias personales como inmigrante anteriormente indocumentada en los Estados Unidos y el desentrañamiento de la memoria social compartida. Amézquita posee un título de Asociado en Comunicaciones Visuales de LAVC, una Licenciatura en Bellas Artes de ArtCenter College of Design y una Maestría en Bellas Artes de UCLA. Ha expuesto en el Hammer Museum, LACE (Exhibiciones Contemporáneas de Los Ángeles), LAND (División Nómada de Los Ángeles), 18th St Art Center, The Armory Center of the Arts, Vincent Price Art Museum, The Annenberg Space for Photography, Human Resources Los Angeles, MAD de Nueva York, entre otros. Es la ganadora del Premio Mohn Land (2023), el Fondo de Arte de Los Ángeles de Andy Warhol Foundation (2022) y el Fondo de la Red Nacional de Actuación (2022). Emigró a los Estados Unidos en 2003. Vive y trabaja en Los Ángeles (en la tierra no cedida del pueblo Tongva).

Nina Kunan (Buenos Aires, Argentina, 1990) es artista visual. Su práctica artística se basa en el dominio de técnicas textiles y de distintas materialidades aplicado al espacio público, objetos, arquitectura, moda y diseño. Recibió la Licenciatura y el Profesorado en Artes por la Universidad de Buenos Aires (UBA). Estudió costura y tapicería. Realizó los talleres y clínicas de obra dictados por Marina de Caro, Carla Barbero junto a Javier Villa y por Eduardo Stupía. En el 2018 participó del programa de artistas del Centro de Investigaciones Artísticas (CIA). En 2020 abrió su sexi-shop Arrepentida, en el que realiza una curaduría de juguetes eróticos y crea sus propios accesorios. En 2022 exhibió en Galería Jamaica, Revolver Galería, Fundación Klemm, Fundación Santander y Centro Universitario de Arte de La Plata, todas en Buenos Aires. En el 2021, formó parte del programa KM1 del Museo Moderno de Buenos Aires. Obtuvo el premio Semana del Arte 2021 y la Beca BECAR Cultura con destino a Turín, Italia (2019). Vive y trabaja en Buenos Aires, Argentina.

Rita Ponce de León (Lima, Perú, 1982) es una artista dedicada al dibujo y la instalación. En la actualidad, estudia técnicas psico-corporales para el desarrollo humano, en la organización argentina Río Abierto. Ponce de León entiende el trabajo como una forma de involucrarse en situaciones que permitan generar vínculos humanos significativos, aun cuando sean efímeros, en las que el cuerpo pueda producir encuentros intuitivos útiles. Se ha acercado a prácticas como el butoh, el aikido y varios talleres que abordan el movimiento corporal como origen del conocimiento y la sabiduría. Condensa esta gama de procesos en el dibujo, para compartir sus pensamientos en forma de ensayos visuales. Su obra ha sido expuesta en Aichi Triennale 2022, la 32ª Bienal de São Paulo (Brasil), Pueblo originario San Simón Ticumac (México), Kunsthalle Basel (Suiza), la galería 80M2 Livia Benavides (Perú) y la Sala de Arte Público Siqueiros (México), entre otros. Su obra ha sido publicada en Vitamina D2: nuevas perspectivas del dibujo (2013). Actualmente colabora con los poetas Yaxkin Melchy y Shinnosuke Niiro, la bailarina de butoh Emilie Sugai y la educadora somática Joelle Gruenberg. Vive y trabaja en Ciudad de México.
Durante la residencia FAARA, Rita Ponce de León continuó investigando el método de trabajo de la bailarina, terapeuta y coreógrafa uruguaya Graciela Figueroa y el espacio Río Abierto, a la vez que se concentró en su obra en papel que incluye el dibujo y la escritura.

Paola Monzillo (Montevideo, Uruguay, 1986) explora cartografías e ilustraciones históricas para cuestionar la supuesta neutralidad ideológica de estos dispositivos. Formada en arquitectura y arte, Monzillo reflexiona sobre los territorios como espacios de reconfiguración, investigando fisuras y encrucijadas que dan vida a ficciones alternativas de representación. Ha expuesto en el Museo Nacional de Artes Visuales (Montevideo), el Museo de Arte Moderno de Medellín (Colombia), el Museo de Arte Contemporáneo de Lima (Perú), el Museo de Arte Contemporáneo Africano Al Maaden (Marrakech), entre otros. Participó en la Bienal de Montevideo (2014), la Bienal del Mercosur (2015) y la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de América del Sur - BIENALSUR, (2017, 2019 y 2021). Recibió la Beca FEFCA Justino Zavala Muniz (2016) y la Beca Eduardo Víctor Haedo (2018). En 2021, obtuvo el primer Premio de Adquisición del 50º Premio Montevideo de Artes Visuales. Vive y trabaja en Montevideo.
Durante la residencia FAARA, Paola Monzillo se abocó tanto a perfeccionar las prácticas del telar, conectándose con tejedoras, como a rastrear el presunto mito de que el Palmar de Rocha formó parte de un cordón vegetal que continuaría hasta el sur de África, cuando los actuales continentes formaban parte de Gondwana.

Seba Calfuqueo (Santiago, Chile, 1991) es artista visual y curadorx en Espacio 218. Forma parte del colectivo mapuche Rangiñtulewfü y de Yene Revista. De origen mapuche, su trabajo recurre a su herencia cultural como punto de partida para proponer una reflexión crítica sobre la situación social, cultural y política del sujeto mapuche dentro de la sociedad chilena contemporánea. Se vale de la instalación, la cerámica, la performance y el vídeo para explorar las similitudes y diferencias culturales en el cruce de las formas de pensamiento indígena y occidental, así como sus estereotipos. Su objetivo es hacer visibles los temas relacionados con el feminismo y la teoría queer. Su obra integra las colecciones de Kadist (Francia), del Museu de Arte Contemporânea do Rio Grande do Sul - MAC RS (Brasil), del Museo Nacional de Bellas Artes y del MAC (Chile), entre otros. Obtuvo el Premio Municipalidad de Santiago (2017), el Premio Fundación FAVA (2018) y el Premio Fractal Fellowships de Eyebeam (2021). Vive y trabaja en Santiago de Chile.
Durante la residencia FAARA, Seba Calfuqueo investigó sobre la historia del Uruguay en términos de su población indigena y entró en contacto con diversos activistas. A su vez, recolectó arcillas locales y dentro del taller se concentró en la cerámica y el dibujo.

Florencia Sadir (San Miguel de Tucumán, Argentina, 1991) es una artista que explora su tierra natal de los Valles Calchaquíes, e investiga el conocimiento heredado y el aprendizaje en comunidad. Sus instalaciones, esculturas y dibujos están compuestos con materiales naturales, como la arcilla o la cestería tejida con fibras vegetales, para crear objetos que invitan a reflexionar sobre cómo los tiempos del trabajo, la producción y el consumo se han desvinculado de los ciclos vitales. Estudió en la Facultad de Artes de la Universidad Nacional de Tucumán. Realizó el Programa de Artistas 2020-2021 en la Universidad Torcuato Di Tella (Buenos Aires) y un programa de estudios en la Escuela Flora Ars + Natura (Bogotá). En 2021, presentó la exposición individual Todavía las cosas hacían sombra, en el Museo de Arte Contemporáneo de Salta (Argentina), curada por Andrei Fernández. En julio de 2022, fue artista residente en la Trienal de Aichi, Still Alive, dirigida por Mami Kataoka. Sus obras forman parte de colecciones públicas y privadas de Argentina, Chile y Colombia. Vive y trabaja en San Carlos, Salta.
Durante la residencia FAARA, Florencia Sadir indagó en el territorio a través de la relación de sus habitantes con la tierra y el mar. En esta línea, se acercó a las prácticas de pesca, la permacultura y la producción de cerámica uruguaya a partir de arcillas locales.

Marilyn Boror Bor (San Juan Sacatepéquez, Guatemala, 1984) es una artista maya-kaqchikel que cuestiona el patriarcado y el racismo a través de la fotografía, la pintura, el grabado, la instalación y la performance. Es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de San Carlos de Guatemala. Fue Fellow de la Fundación Utopía (España, 2016), recibió en tres ocasiones la beca de Espira/La Espora Residencia para Artistas Centroamericanos Emergentes (Nicaragua, 2011-2014) y participó en residencias y conferencias en Estados Unidos, Centroamérica, México, Alemania, Chile y España. Su obra se presentado en el Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico (San Juan), el Museo de Arte Contemporáneo de Panamá, el Museo Reina Sofía (Madrid), la Galerie im körnerpark (Berlín), WhiteBOX (Múnich), el Museum of Contemporary Art Santa Barbara (California), el Museo Precolombino de Arte Chileno (Santiago) y el NUMU (Guatemala), entre otros. Participó en la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo del Sur (Guatemala, 2021), la Bienal en Resistencia (Guatemala, 2018 y 2021), la Bienal de Arte Paiz (Guatemala, 2014, 2016 y 2021). Vive y trabaja en Guatemala.
Durante la residencia FAARA, Marilyn Boror Bor trabajó sobre la percepción social de las poblaciones indígenas en Uruguay, contactandose con activistas y visitando museos y espacios de memoria. A su vez, utilizó el taller de Casa Neptuna para trabajar con tierra de Salsipuedes, realizando dibujos y una colaboración con el paisajista uruguayo Alejando O’Neill.

Lizania Cruz (Santo Domingo, República Dominicana, 1983) es una artista participativa y diseñadora dominicana interesada en cómo la migración afecta a las formas de ser y pertenecer. A través de la investigación, el trabajo con la historia oral y la participación del público, crea proyectos que ponen de relieve una narrativa pluralista sobre la migración. Cruz ha sido artista residente y becaria en Laundromat Project Create Change (2017-2019), Agora Collective Berlin (2018), Design Trust for Public Space (2018), Recess Session (2019), IdeasCity: New Museum (2019), Stoneleaf Retreat (2019), Robert Blackburn Workshop Studio Immersion Project (2019), A.I.R. Gallery (2020-2021), BRIClab: Arte Contemporáneo (2020-2021), Center for Books Arts (2020-2021) y Jerome Hill Artist Fellow, Visual Arts (2021-2022). Su obra se expuso en el Arlington Arts Center, el BronxArtSpace, el Project for Empty Space, el ArtCenter South Florida, el Jenkins Johnson Project Space, The August Wilson Center, la Sharjah's First Design Biennale, en Untitled, y en Art Miami, entre otros espacios. Recientemente formó parte de ESTAMOS BIEN: LA TRIENAL 20/21, en el Museo del Barrio. Sus obras e instalaciones han aparecido en Hyperallergic, Fuse News, KQED arts, Dazed, Garage y The New York Times. Vive y trabaja en Nueva York.
Durante la residencia FAARA, Lizania Cruz continuó su investigación sobre el médico y académico uruguayo Rodolfo V Talice a través de su archivo audiovisual. A su vez, indagó sobre el Candombe en Uruguay y su relación con la Bamboula, entrevistando al Lobo Nuñez.

Marcela Sinclair (Buenos Aires, Argentina) es artista y profesora. Su obra explora temas de desplazamiento y geometría a través de prácticas que incluyen el dibujo, la pintura, la escultura, la instalación y las intervenciones de sitio específico. Se licenció en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires y estudió con el artista Tulio de Sagastizábal. Sinclair ha realizado residencias en El Basilisco, (Buenos Aires) y en Lugar a Dudas (Cali, Colombia, 2009). Recibió una beca del Fondo Nacional de las Artes de Argentina (2012) y el primer premio de escultura de la institución (2017). La obra de Sinclair ha sido exhibida en instituciones de Argentina, Uruguay, Chile, Colombia, España, Estados Unidos, Italia y Alemania. Entre sus exposiciones recientes, se encuentran El futuro ha llegado (hace rato), en el Centro Cultural Kirchner (Buenos Aires, 2016); Es ella una encantadora cosa, en el Museo Cerralbo (Madrid, 2017), y Disrupciones, presentada por Art Basel Cities Buenos Aires, en Collins Park (Miami, 2019). Vive y trabaja en Buenos Aires.

Durante la residencia FAARA, Sinclair se enfocó en investigar los vínculos entre la arquitectura de las ciudades balnearias de Punta del Este y Miami. Trabajó en la producción de acuarelas y piezas en acrílico, y participó con una obra de sitio específico en Campo Artfest (2021), que tiene lugar en Pueblo Garzón, Uruguay.

Sofía Gallisá Muriente (San Juan, Puerto Rico, 1986) es una artista visual que trabaja con las narrativas históricas, los imaginarios populares y la cultura visual. Estudió Producción de Cine y TV y Estudios Latinoamericanos en la New York University. Participó en plataformas pedagógicas de artistas y en el programa La Práctica, de Beta-Local. Fue residente del Museo La Ene (Argentina), Alice Yard (Trinidad y Tobago), Solar (Tenerife) y Catapult (online), y becaria del Flaherty Seminar (Nueva York) y del Smithsonian Institute (Washington). Su trabajo apareció en The New York Times, Art in America, Terremoto e Hyperallergic. Obtuvo becas de TEOR/éTica y NALAC. Expuso en la Bienal del Whitney, el Queens Museum, ifa Galerie (Berlín), MALBA (Argentina) y CCA Glasgow, entre otros. Fue co-directora de Beta-Local (Puerto Rico). Es becaria de la Puerto Rican Arts Initiative y del Annenberg Innovation Lab de la USC. Vive y trabaja en Puerto Rico.

Durante la residencia FAARA, Gallisá Muriente continuó su proyecto Observatorio de lagunas, que explora la memoria y el recuerdo en conexión con los significados de la palabra “laguna” en español. Visitó lagunas de la zona, realizó filmaciones y entrevistas a ecologistas y biólogos.

Adriana Bustos (Bahía Blanca, Argentina, 1965) se graduó en la Facultad de Bellas Artes y Psicología de la Universidad de Córdoba (Argentina). Su obra desarrolla un discurso narrativo en torno a la opresión social, política y religiosa, con una interpretación no lineal de la historia. Participó de las bienales Dhaka Art Summit (Bangladesh, 2020), Site Santa Fé (Estados Unidos, 2014) y la Bienal de Montevideo (Uruguay, 2014-2020). Recibió el Premio Azcuy (2020), entre otros, y participó de exposiciones en instituciones y galerías como el Centre Pompidou (París) y Kadist (San Francisco). Sus obras integran las colecciones del Museo Reina Sofía y la Fundación ARCO (España), el Museo de Arte Contemporáneo de Medellín (Colombia) y el Museo de Arte Moderno Buenos Aires (Argentina). Vive y trabaja en Buenos Aires.

Durante la residencia FAARA, Bustos revisitó su obra de la Bienal de Montevideo (2014), una investigación sobre el anclaje histórico de la construcción de identidades nacionales en el Río de la Plata. En esa línea, investigó los proyectos utópicos de Francisco Piria, Antonio Lussich y Humberto Pittamiglio de comienzos del siglo XIX, en Uruguay. Visitó Piriápolis, el Arboretum Lussich de Punta del Este y el Castillo Pittamiglio de Montevideo.

Liliana Angulo Cortés (Bogotá, Colombia, 1974) es una artista afrodescendiente que trabaja en diferentes regiones de la diáspora africana mediante una práctica artística crítica, en busca de estrategias colectivas de recuperación cultural que contribuyan con las luchas de las comunidades afrodescendientes. Realizó una especialización en escultura de la Universidad Nacional de Colombia, un Master en Artes de la Universidad de Illinois (Chicago) y un Master en Antropología de la Universidad de los Andes (Colombia). Su obra engloba prácticas performativas, visibilización de tradiciones culturales, reparaciones históricas y trabajo colaborativo con organizaciones sociales. Realizó exposiciones individuales y colectivas en Colombia y a nivel internacional. Es docente y promotora de la memoria y el arte comunitario afrocolombiano. Vive y trabaja en Bogotá.

Durante la residencia FAARA, Angulo Cortés indagó sobre la historia, la memoria y la resistencia de las comunidades afrodescendientes e indígenas del Río de la Plata, históricamente oprimidas e invisibilizadas. En este proceso, visitó el Caserío de los Negros, la desembocadura del Arroyo Miguelete y la Plaza Senzala, así como también espacios socioculturales del candombe y antiguos conventillos. A su vez, se reunió con diversas lideresas afrouruguayas y asistió al ritual dedicado a Exú, en la Casa de Quimbanda de Montevideo.

Andres Bedoya (La Paz, Bolivia, 1978) reflexiona sobre la historia de la región andina, a partir de la construcción de una narrativa biográfica basada en la exploración de sistemas de creencias, rituales y objetos. Realizó exposiciones individuales, entre ellas Still Life with Others, en Situations (Nueva York, 2018); Presente, en el Centro Cultural de España (La Paz, 2017); y El viaje, en el SCAD Museum of Art (Savannah, Estados Unidos, 2016). Participó en exposiciones colectivas, como The Waste Land, en Nicelle Beauchene (Nueva York, 2019); The Lost Nature: Obras para la Colección Histórica Videobrasil (Stavanger, Noruega, 2019) y Bienal do Mercosul (Porto Alegre, 2015). Participó de la residencia Gasworks (Londres, 2019) y Urra (Buenos Aires, 2011). Brooklyn Is Burning, en MoMA PS1 (Nueva York) es uno de sus proyectos curatoriales. Vive y trabaja en Ciudad de México.

Durante la residencia FAARA, Bedoya se dedicó a aprender y perfeccionarse en técnicas y oficios como la porcelana dental, el vidrio y la orfebrería, en talleres personalizados, encuentros con artesanos y experimentaciones en el taller. También emprendió el rastreo de la memoria familiar vinculada a la historia de su madre, quien residió en Montevideo.

Noé Martínez (Morelia, México, 1986) es un artista visual y cineasta graduado en la Escuela Nacional "La Esmeralda" (Ciudad de México). En su obra elabora su historia personal a partir de metodologías etnográficas y de investigación de las comunidades indígenas. Su trabajó participó en el Festival Internacional de Cine de Morelia (México, 2018), el Native Crossroads Film Festival (Oklahoma, 2018), la 21 Bienal SESC Videobrasil (São Paulo, 2019) y FilmFront (Chicago, 2019), entre otros. Realizó exposiciones en The Museum of Contemporary Art Chicago y la Sala de Arte Público Siqueiros (Ciudad de México). Su obra integra las colecciones de The Museum of Contemporary Art Chicago, Kadist (San Francisco), y Museo Amparo (Puebla). Participó de la Residencia Clarice Oliveira Tavares del Swiss Institute (Nueva York, 2020). Vive y trabaja en Ciudad de México.

Durante la residencia FAARA, Martínez profundizó sus investigaciones sobre la memoria y la historia del territorio. En busca de los contactos entre las culturas africana e indígena, visitó el Museo de Arte Precolombino e Indígena (Montevideo), el Museo Regional Carolino (San Carlos) y los espacios socioculturales del candombe. Se dedicó a finalizar su último film y también, a experimentar con la navegación para una obra en proceso.